国立台湾美术馆是全台最早的美术馆，自1988年开馆以来，一贯是培养台湾美学文化的主要摇篮。馆内展出作品，大多出自台湾艺术史经典人物之作，然而也因此年轻群众的占比相对较低。本次国美馆艺术商店的改装计画，除了希望重新整建修复空间，馆方也期待改装後的新面貌，能为这里再次增长活力与光采，迎来不同年事层的访客群众，尤其是更多年轻人，起身踏进这处曾孕育无数艺术梦想的所在。
谈起国美馆艺术商店的改造，时序先倒带一段。当时从事美术馆商店经营的业主，在社群瞥见 CPD Interiors 的设计後进行联系。常将艺术画作或雕塑融入空间，发展性子倾向纯美术类型的 CPD Interiors，与业主初次碰面，即因共有热爱艺术的心情而相谈甚欢，双方一拍即合，匆匆成後续的提案互助与企划实行。
CPD Interiors的参与，彷如为古典宁静的国美馆引进一道新生清流。团队以「水脉 Waterway」作为公共零售空间的改建命题，藉由川流的的意象，诠释未来场域的线条及主轴型态。川流贯串衔接要地本地与大海，象徵着「过程」，而这间美术馆里发生的所有事情，会对应、贯串衔接到各个时期的群众影象，这是连续性且不间断的动态过程，经由韶光的酝酿与等待，逐渐构成自身演进的脉络，开展出岛屿世代与世代，多元族群间的遇见、互换、碰撞与领悟。
透过主理人王伟丞的深度分享，我们一探 CPD 团队在这个涵藏历史精华和人文意义的旧时期场域，是如何跳脱窠臼，翻转形式与性能的变革，构建与民众更亲近，兼顾艺文特性与商业的当代空间。
像在逛另一场艺术展览商业与艺术调性之间的权衡，始终是门学问，稍欠妥心就会偏了方寸；过于高冷固然无法吸引人群，高度零售可能又显得市侩。王伟丞选择一条实质之路。他明确定义空间将延续美术馆的策展形式，「作为美术馆内部的商店，美术馆的定调才会影响店空间，并不会太阿倒持。以是我们不肯望展览的性子到了这边，转变成纯挚的商店。」
他不雅观察到以往美术馆商店大多以纯零售角度出发，如果想打破既有客层，势必得做出一些改变。因而提出新建的空间，包含设计呈现、动线方案、业者的商品营运，皆带入展览策划干系的思维，同时增加不同形态功能的可能性：如展演、传授教化活动、举办讲座，还有咖啡轻食的复合型经营模式，利用沉浸式的体验整合所有性能布局。人进到这里，节奏相对缓慢，形同游逛另一个常设展，只是现场展出物品是可被发卖的，藉以对外产生更多贯串衔接与活化的力量。
用当代审美参与时期影象「形式与功能一体两面，不可分割。」王伟丞引述美国建筑家法兰克·洛伊·莱特的话。定义空间性能後，相对应的表现形式随之浮现。在形式上他紧张分为两点考量：其一是必须符合当代审美学，也便是年轻人看得懂的美学；第二件事则是「文化特点」。时下的年轻潮流，走向普遍强调「快时尚」和「浅文化」的大众趋势，视觉符号必须清晰明了，能被快速解读，以是内部整体以符合当代视觉美感的白灰色系为主。而浅色调的空间，亦与周围环境轻微分开，格外衬托它的特殊存在。
「文化是我私心以为很主要的一点。操作设计项目时，我们谈判量旧有的文化脉络为何，进入新时期的展望会是什麽？」王伟丞阐明现地的商店位置，恰好位居早期国美馆的入口处，小时候和长辈到国美馆，都是经由这里进去，後来才因利用上的改变，馆方把入口移到现在的所在地。表面的板岩砖材质，更是自外部延续到内里的主体、地面、墙壁，「这样的企图很明显，当年的设计者希望把外不雅观入口的质感，包覆到拱门以内的接待区，让室内外边界在建筑操作上是模糊的。」象徵过往风华的圆形拱门，具备一定的时期意义与共有的文化影象性，「以是我们不肯望去修正旧时期的企图，也不毁坏原有构造，而是与之共存，把韶光的痕迹保留下来。身为参与的新生代，设计必须独树一格，并坚持礼貌性的致敬，明显表示出我们便是後续的新进者。」
原来圆拱的玻璃帷幕上贴了许多输出，玻璃也很脏很旧，王伟丞认为应要打开这个通道，故把玻璃帷幕重新做洗濯，旧输出、广告资讯一概撤除，保留视觉的通透性比起强势颠覆，他们置入较为软性，有别於原始垂直水平空间的曲线形式聊表敬意。这些蜿蜒的量体宛如从外部流动进来，在空间暂时勾留。於此同时，为了呼应原始的文化符码，利用长条状的半光型灯管排列成一个圆拱。当泛光型的圆管灯启动时，不仅充斥日照般温煦通亮的感官效果，还透过火歧的元素通报视觉上的延伸，表达模糊室内外边界的相同企图。
不同於一样平常商店利用投射灯，空间全部是间接照明或较为全局式的照明来办理照明需求，未来若业务韶光拉长到晚上，民众一样可以觉得跟白天一样舒适的沈浸式照明
形塑性能动线与变革弹性的模组化岛台设计流动型的艺术品商店空间，过道动线即为性能所在，人们跟随水流的波浪形式，在个中自由产生各种行为。平面的探索之外，宛如伸展台般的阶梯，恰好是串连商店与楼上展览室的有趣路子。民众不雅观展後可以选择从这里走下，站在不同的高位视角，欣赏弯曲的空间地景。
连续性的岛台以模组化的方案形式，能被截成一段一段，任意拆解和重新布局。除了便於制作，紧张是希望能保留未来的可变性，将来若想变动样式，这些岛台就像积木一样可重新排列组合。不仅如此，岛台带入人因工学，将性能解构成以高度15公分为根本单位的叠加量体，穿插配置阅读书桌、成人与孩童的休憩座位，以及高低不同的陈设平台性能，分别对照利用状况，设置空想的舒适台高。王伟丞进一步剖析，由於美术馆商店的商品种类多元，从餐具到3C用品，文具、衣服、画作、复制品画作、书本 ...... 险些是搜罗万象，「这些东西的背景互异，我认为不应该在同一个标准状态下去陈设。因此我们透过火歧材质铺面，像是金属、石材、软布或是木头的表层感想熏染，衬托适宜的商品性情以及实际面的性能利用。」
以15公分为单位，岛台高度按照不同利用情境，制订贴合人因工学的高度
利用材质解释基於生理学的动线考量，若是连续性的路径太过冗长，随意马虎在行进间产生疲倦感。他刻意於曲型中割断几个开口，让消费者可以直接通到另个区域，空间也更流动一些。走逛的过程，一点也不像在传统零售店，累了可以稍作安歇，坐ㄧ下再连续看。
使零售目的无缝融入空间
如何在策展形式的陈设思维里，同时达成营运面的发卖需求？针对台湾民众的偏好习气，王伟丞特殊将餐饮吧台移至空间最前端，正对国美馆主入口的位置，意图让民众一进来就看到咖啡吧台，还与馆方谈论，额外在附近增设一些座位。看展的人可以轻松点杯咖啡，先安歇再准备进去看展，亦或是不雅观展後出来逛艺术品商店，顺便带杯咖啡在展馆歇息少焉。「我们希望民众进到这里，觉得不太像是纯挚的零售空间。他的体验富含变革性，有点像咖啡厅、有点像书店，看到的是 50% 的消费形态，而剩下的 50% 则由不同活动所构成的整体印象。」
会有这样的想法，源自先前的事情履历，以及他亲自历经实体书从兴盛到萎靡，大型书空间纷纭因合时期改变经营策略，贩售许多商品的过程。就他不雅观察，「书」已然变成一种带动商品消费的媒介，而非发卖主体，这也使他反思 —— 或许访客不一定会买书，但期望藉由看书的氛围营造，令人沈浸在新旧共存的环境，进而带动消费希望。
不过王伟丞也坦言，这样的呈现逻辑，势必跟传统的营运认知稍有抵触。一样平常消费者期望瞥见很多商品选择，摆设的数目须坚持一个定量；然而商品量变多时，相对又会跟原有观点涌现冲突，得在之间努力找到交集。为此，他们密切地与业主沟通，根据业者供应的发卖数据，作为动线陈设方案的主要参考。「我们利用理性数据的分类办法，取得设计操作跟营收需求的主要平衡。岛台上的商品，依照逛街的过程从动到静编列，先看到的商品是消费主力，逐渐往里面走，改为消费力轻微弱一点的商品。直到最後，变成供应安歇座位跟书桌之处，功用在於引人勾留。而复制画商品本身发卖较为弱势，便放置到旁边两边，当作展示墙的不雅观赏效果。」
「美术馆商店的操作是我们很喜好的案件。它不是公司紧张盈利来源，也非媒体曝光需求，而是由于台湾美术有很多很棒的艺术家，希望能尽上一点推广心意，以是我们付出极大的热心在做这个空间。藉此带入各式各样的目的性，让美术馆艺术商店转化成多功能型的体验场域，供应民众一个引发更多互动，创造互换的可能性。」大概你是由于这间商店慕名而来，走进国美馆；也或许你是实质艺术迷，意外被店家吸引过去 —— 那实在都无所谓。主要的是，我们因此有了相聚的契机，只管来自不同知识领域和生活背景，但我们都可以一起在国美馆认识经典，爱上艺术。
